Matt Skiba and The Sekrets - "Babylon"

Es obvio que Skiba anhela experimentar fuera de los confines de Alkaline Trio pero no consigue zafarse al menos en esta ocasión del sonido al que nos tiene acostumbrado. Tras varios proyectos Matt se lanza de nuevo a la aventura, pero esta vez con miembros de AFI y de My Chemical Romance, lo que ha dado como resultado la creación de Babylon.

Babylon, el álbum debut de Matt Skiba And The Sekrets seguramente no decepcionará a los fans de lo último de Alkaline Trio. Sin embargo para los fans más veteranos, será algo más costoso de oir.

Es más, si alguno de vosotros escucha Babylon, sin saber que este disco no pertenece a los mismos, no notará la diferencia hasta que se dé cuenta de la falta de Dan Adriano.

“The End of Joy” podría pertenecer a Time To Waste de Alkaline Trio (2005), “Crimson” y “Help Me” al Agony & Irony (2008). “Falling Like Rain” suena como un primo hermano de “Eating Me Alive” de This Addiction con algún matiz de Depeche Mode, y el riff principal “Haven’t You?” es parecido a “Radio”.

Las canciones de Babylon que surgieron de las demos de Skiba del 2010, toman una mejor forma ante evidentes mejoras. “How The Hell Did We Get Here?” y “Angel of Deaf” consiguen en determinados momentos, ser difíciles de escuchar debido a los ecos, ya que induce a cierto dolor de cabeza.

Hay temas que transmiten una energía que sale fuera de lo común, las letras contienen brillantes símiles. Por otro lado, consigue darle toques bastante sencillos lo que añade emoción en las mismas.

Aquellos que esperaban que el proyecto de Skiba fuese algo totalmente diferente, deberían estar decepcionados, ya que Babylon suena, tal y como he dicho antes, muy parecido a los anteriores trabajos de Alkaline Trio. Sin embargo, los fans de su estética encontrarán algunas cosas que no les gustarán de él. Eso sí, hay que reconocer que la imagen de la portada del disco es perfecta, no hay duda que ha sido una buena elección.

En resumen, el disco, si no hacemos comparaciones, puede sostenerse como un buen álbum, pero ¿alguien esperaba menos del señor Matt Skiba?

70/100

Crítica: Sheyla Rubio

"Vulnerable" - The Used

En diez años The Used  han conseguido vender más de tres millones de copias alrededor del mundo y después tres años de silencio en pocos días saldrá la venta su quinto disco de estudio. El grupo abandonó el año pasado el sello Warner Bros tras tener unos cuantos conflictos, lo que quiere decir que “Vulnerable” será el primer trabajo que los de Utah saquen con su nueva discográfica Hopeless Recods.  Este álbum saldrá concretamente al mercado el día 27 de marzo y mientras esperamos a que la fecha de lanzamiento se acerque vamos a daros nuestro opinión del disco.

Si por algo se caracterizan estos chicos es por probar con pequeñas innovaciones en cada álbum. Posiblemente el mayor cambio que experimentó el grupo fue con “Lies For The Liars” (2007), pero con “Vulnerable”(2012) han conseguido establecerse entre el sonido de sus dos álbumes anteriores .

 “Vulnerable” no es tan drástico si no que mezcla en una perfecta combinación los sonidos clásicos del grupo, con los ritmos electrónicos,  la voz melódica y los guturales que a estas alturas nos sorprenden en alguna que otra canción. En él podemos escuchar riffs crudos y vemos que recuperan la rapidez en la parte vocal.

Sin ninguna duda este nuevo disco nos plantea un nuevo dilema, ¿se establecerán en este punto o seguirán evolucionando en busca de algo más?

Nuestra valoración es positiva ya que han logrado un perfecto equilibrio para los fans más exigentes. No son los The Used del 2002 pero está claro que su último trabajo sigue sonando a ellos y esa es la mayor prueba de que están haciendo las cosas bien.

[75/100]

Crítica:  Sheyla Rubio

Enter Shikari - "A Flash Flood of Colour".

Ya han pasado unos cuantos años de aquel 2007 en el que los británicos Enter Shikari debutaron con “Take To The Skies”, pero hace tan solo unas semanas volvieron con su tercer disco rompiendo los esquemas y sin duda han vuelto más fuerte que nunca.

La composición de “A Flash Flood Of Colour” es bastante compleja, vemos un cambio bastante notable sobre las melodías con respecto al “Common Dreads”, pero eso ya lo sufrimos cuando este mismo fue sacado. Ahora nos dejan sin palabras mezclando breakdowns, bases de dubstep, riffs, guitarras potentes y algún scratch junto a sus famosos sintetizadores.

Lo que está claro es que Enter Shikari siguen evolucionando pero manteniéndose fieles a algo, a su forma de pensar.

Este último disco ha sido bastante rotundo en cuanto a sus ideas políticas. Si hablamos de la lírica de sus discos, siempre ha tenido que ver con la política, mejor o peor camuflada pero siempre ha estado presente. Con “A Flash Flood Of Colour” vemos unos Enter Shikari críticos con la sociedad, con el sistema, con la situación económica mundial y con la estabilidad medioambiental. Quizás el lema que le pondría a este disco es el de: “Vamos, levántate y empieza tú mismo a cambiar las cosas”.

En “System…” te empiezan convenciendo para que te unas al movimiento. Con “Meltdown” te animan a que cambies las cosas. En “Ssssnakepit” les hablan a los políticos asegurando que están preparados para cambiarlas. En “Stalemate” se habla del abuso de los recursos naturales y de la ambición humana. Con “Search Party” dejan claro que necesitamos cambiar y cambiar a nuestros políticos. “Arguing with thermometres” hablan de la explotación del mar, de los polos, de la subida de temperaturas, del petróleo, de las inversiones en crear armas y no en solucionar los problemas. En “Gandhi Mate, Gandhi” declaran que no apoyan al sistema y por lo tanto de construir un nuevo sistema sin seguir los patrones actuales. Con “Warm Smiles Do Not Make You Welcome” tratan de decir que con lo poco que tenemos se pueden cambiar las cosas. “Pack Of Thieves” en esta te resumen todo lo anterior: “No seas tonto al pensar que un pequeño grupo de amigos no puede cambiar el mundo”. “Hello Tyrannosaurus, Meet Tyrannicide” es también bastante clara “No somos tus súbditos, tú no eres nuestro rey, la naturaleza es el único dictador al que debes respetar y obedecer”. Y para cerrar el disco “Constellations”, en la que nos cuentan una historia, quizás una utopía, porque habla empezar desde 0 y cuidarnos los unos a los otros.

Cuando escuchas este disco de principio a fin, sientes que puedes hacer cualquier cosa. Es un disco positivo pero con mucha rabia y fuerza. Notamos muchas ganas de cambiar lo que hay, siendo claros y directos. Es bastante alentador, ya que en estos tiempos que corren necesitamos algo así.

Nota: [90/100]

Crítica: Sheyla Rubio

Si hay algo más criticable en este mundo, es que un grupo cambie de estilo de la noche a la mañana. Esto no es lo que les ocurre a los canadienses Silverstein, sino todo lo contrario.

Llevo escuchando al grupo desde sus inicios y tengo que decir que desde su tercer trabajo “Arrivals & Departures” han perdido esa chispa que les caracterizaba en “When Broken Is Easily Fixed” y “Discovering the Waterfront”. No se lo que será pero cada disco es más de lo mismo, intentaron algo nuevo con “Arrivals…” metiendo algunos toques electrónicos, pero no llego a cuajar del todo. Desde ahí sus dos últimos discos han sido bastante monótonos, parece que estas escuchando una canción interminable.  Esto se notó por ejemplo en las ventas de “A Shipwreck in the Sand” con el que bajaron la media de ventas en la primera semana.

Pero todo cambia con el lanzamiento de “Short Songs” un disco de canciones cortas como su propio nombre indica. Se compone de un total de 22 temas,  11 canciones del grupo y 11 covers que duran menos de 90 segundos.

Las primeras 11 canciones son cosa de otro mundo, si las escuchas probablemente pienses que un cambio así les podría venir bien. Las canciones son más rápidas, tienen más fuerza, la voz es contundente, más son oscuras… Sin duda alguna podríamos estar ante la cara oculta de los canadienses, la cara más punk de Silverstein se plasma en este disco.

Escuchar “Short Songs” se hace bastante más dinámico es escuchar un disco normal de Silverstein. Aun así, no solo tienen partes rápidas, también hay algún tema lento tocado con la guitarra acústica. Por ejemplo si escuchas “One Last Chance” te das cuenta que suena mucho más a ellos.  El mejor momento es cuando escuchas “See Ya Bill” una simple canción que dura apenas unos segundos pero que te deja totalmente desconcertado, y piensas “Pero… ¿Qué ha sido esto?.

Las versiones con las que contamos en el disco son una clara referencia a las principales influencias del grupo, es un bonito detalle acordarte de vez en cuando cuales fueron los grupos que te llevaron a donde estás ahora mismo. Te gustarán si te gustan los grupos que las cantan  y si te gustan Silverstein, son una buena mezcla.

Si tuviese que decir algo al grupo, es que metiesen más rapidez a sus canciones, esta vez lo han hecho y para mí ha sido una buena elección.

Nota: [75/100]

Crítica: Sheyla Rubio

Si hay algo más criticable en este mundo, es que un grupo cambie de estilo de la noche a la mañana. Esto no es lo que les ocurre a los canadienses Silverstein, si no todo lo contrario.

Llevo escuchando al grupo desde sus inicios y tengo que decir que desde su tercer trabajo “Arrivals & Departures” han perdido esa chispa que les caracterizaba en “When Broken Is Easily Fixed” y “Discovering the Waterfront”. No se lo que será pero cada disco es más de lo mismo, intentaron algo nuevo con “Arrivals..” metiendo algunos toques electronicos, pero no llego a cuajar del todo. Desde ahí sus dos ultimos discos han sido bastante monotonos, parece que estas escuchando una canción interminable.  Esto se notó por ejemplo en las ventas de“A Shipwreck in the Sand” con el que bajaron la media de ventas en la primera semana.

Pero todo cambia con el lanzamiento de “Short Songs” un disco de canciones cortas como su propio nombre indica. Se compone de un total de 22 temas,  11 canciones del grupo y 11 covers que duran menos de 90 segundos.

Las primeras 11 canciones son cosa de otro mundo, si las escuchas probablemente pienses que un cambio así les podría venir bien. Las canciones son más rapidas, tienen más fuerza, la voz es contundente, más son oscuras… Sin duda podríamos estar ante la cara oculta de los canadienses, la cara más punk de Silverstein se plasma en este disco.

Escuchar “Short Songs” se hace bastante más dinamico es escuchar un disco de Silverstein. Aun así, no solo tienen partes rapidas, tambien hay algun tema lento tocado con la guitarra acustica. Por ejemplo si escuchas “One Last Chance” te das cuenta que suena mucho más a ellos.  El mejor momento es cuando escuchas “See Ya Bill” una simple canción que dura apenas unos segundos pero que te deja totalmente desconcertado, y piensas “Pero… ¿Qué ha sido esto?.

Las versiones con las que contamos en el disco son una clara referencia a las principales influencias del grupo, es un bonito detalle acordarte de vez en cuando cuales fueron los grupos que te llevaron a donde estás ahora mismo. Te gustarán si te gustan los grupos que las cantan  y si te gustan Silverstein, son una buena mezcla.

Si tuviese que decir algo a Silverstein, es que metiesen más rapidez a sus canciones, esta vez lo han hecho y para mi ha sido una buena elección.

Crítica: Sheyla Rubio

Feed Me - “Feed Me's Escape From Electric Mountain”.

Con los tiempos que corren cada día siento que en algún rincón del planeta alguien está inventando algo nuevo con respecto a la música electrónica.

Hace tan solo un par de días me ofrecieron escuchar algo nuevo, entonces conocí a Feed Me (Jon Gooch), un Dj de Hertfordshire especializado en drum&bass y dubstep.

Sin saber a penas de este inglés, me aventuré a escuchar “Feed Me’s Escape From Electric Mountain” su último EP.

Según me puse a escucharlo supe que esto era algo nuevo, diría que algo innovador. Este EP cuenta con tres colaboraciones una con Lindsay, otra con Gemini y otra con Hadouken.

Sin duda definiría este EP es como un guiño al pasado, un guiño a la música electrónica de otra generación, pero que a la vez encierra sonidos muy actuales. Jon Gooch se atreve a mezclar melodías electrónicas de los 90 con el dubstep. Las colaboraciones son bastante buenas, aparecen cuando más las necesitas, intercaladas en el disco, te dan un soplo de aire fresco. Hay temas del disco que podríamos describirlos como una montaña rusa, subidones de infarto con caidas dubstep que garantizan causar el caos en cualquier cabeza. Otros temas son bastante calmados y ambientales, algunos tienen hasta pianos y sencillamente en otros pensarás que estas escuchando “Switch” de Will Smith. También se juega con el sonido 8-bit, con el Trance y los sonidos distorsionados, sin mencionar la ola de sintetizadores.

Un toque de originalidad en estos momentos de máximo auge de lo electrónico. En general tiene un buen desarrollo, podría ser la banda sonora de cualquier viaje con los amigos, sobretodo el tema de Embers.

Si os gustan los retos, y no os atrevéis con en dubstep y derivados, este es un EP digno de descubrir.

Tracklist:

1. Feed Me – Trapdoor feat. Hadouken!

2. Feed Me – Relocation

3. Feed Me – One Click Headshot

4. Feed Me – Embers feat. Lindsay

5. Feed Me – Trichitillomania

6. Feed Me – Whiskers feat. Gemini

Nota: [70/100]

Si queréis saber algo más de Feed Me, visitad su Facebook.

Crítica: Sheyla Rubio.

Beyond Magnetic EP

El 31 del mes pasado salió a la venta en físico el nuevo EP de Metallica, Beyond Magnetic, conformado con canciones que no llegaron al corte de Death Magnetic.

Hate Train abre el EP con un estilo que sigue la línea de a la mayoría de las canciones de Death Magnetic con un toque de Load: Los riffs pesados, los solos virtuosos de Kirk y el trabajo impecable de Rob y Lars. No es menos que cualquier otra canción del álbum. Lleva bastante fuerza.

Just a Bullet Away va marcada por un tiempo más lento, pero no la hace débil. La ejecución de las guitarras limpias a mitad de canción encajan perfectamente con el resto de la canción, que tiene un aire al sonido de The Black Album.

Hell and Back es más calmada, con un riff que se repite bastante en toda la canción hasta el breakdown del minuto 4, donde la canción se vuelve algo más pesada y acelerada, con un solo del virtuoso que complemente perfectamente a la canción. Bastante pegadiza.

Rebel Of Babylon me recuerda a la época de …And Justice For All. La canción progresivamente va tomando una forma algo thrasher, pero siempre siguiendo la pauta de Death Magnetic.

Metallica nos muestra que las canciones que las canciones de Beyond Magnetic no son sobras, si no complementos al álbum. Bastante bien cae este EP luego de haber escuchado aquel álbum donde encontramos a Lou Reed hablando con Metallica jammeando en el fondo.

Nota: [75/100]

Eleven Miles

Un  buen compañero del gremio musical me comentó hace unos días que el post-rock es el nuevo indie, y puede que tenga toda la razón. Se trata de un estilo en pleno apogeo, prueba de ello es el hecho de que grupos como Explosions in the Sky o Mogwai hayan agotado las entradas de sus respectivos conciertos en la ciudad condal. También tenemos casos de éxito nacional en cuanto a post-rock se refiere, como lo ha sido el último disco de los madrileño Toundra bajo el sello Aloud Music, quienes en su día apostaron por ellos como ahora van a hacerlo con EXXASENS, el grupo que nos trae a escribir estas líneas para analizar el tercer disco de su carrera musical.

Eleven Miles es capaz de crear en 42 minutos, una atmósfera espacial con cortes que en pocas ocasiones superan los 5 minutos, acompañado con perfectos títulos al compás con la atmosfera general que nos aísla en un universo propio. Es difícil describir una canción de rock instrumental hasta que no eres capaz de sentirla, sentir como si una mano gigante te cogiera por el cráneo para elevarte hasta lo más alto y después volverte a bajar, una auténtica montaña rusa.

Los momentos más duros del disco los encontramos en ‘Constellation’ y en ‘Casiopea’, esta segunda arranca con una guitarra machacante y sorprende hacia la mitad de la canción con el fragmento de una intervención del Che Guevara. La joya del disco por otro lado se llama ‘Eclipse’, y en esta ocasión presenta un estilo más parecido al de los anteriormente citados Explosions in the Sky. Puede que sea una sensación instaurada a base de escuchar grupos del mismo estilo, con la característica generalizada de que el minutaje de las canciones es notablemente superior a los temas de este Eleven Miles, esto hace que canciones de calidad como la que abre el disco, ‘Science will save us’, dejen con ganas de escuchar algo más su evolución musical.

Y que no haya confusión con el inicio de esta reseña, EXXASENS están aquí por algo más que una moda, publicar un disco como este y evolucionar como lo han hecho, requiere uno de los bienes más preciados por el hombre y posiblemente la mayor clave del éxito, tiempo y trabajo.

El idioma de EXXASENS es universal.

75/100

Joel Panadés.

I'm With You

I’m With You es el primer álbum en 5 años de los californianos de Red Hot Chili Peppers. Después de la gira de Stadium Arcadium la banda se tomó 2 años de descanso (donde a mitad de descanso se dió a conocer que John Frusciante había abandonado la banda) y luego, según Kiedis, la banda se tomó un año para empezar a componer lo que ahora es su décimo álbum.

Este álbum es el primer álbum con Josh Klinghoffer como guitarrista, que no es desconocido para los fanáticos de RHCP ya que estuvo como segundo guitarrista en la fase final de la gira de Stadium Arcadium e incluso ha trabajado en varias ocasiones con John Frusciante en bandas como Ataxia o en el álbum colaborativo A Sphere In The Heart Of Silence.

Monarchy Of Roses abre el álbum con percusión, ruidos de guitarras de Josh y la voz de Anthony durante casi 1 minuto hasta que entra de golpe el clásico funk de Red Hot guiado por el siempre presente Flea. Luego, más funk con Factory Of Faith, que desde el comienzo lleva un ritmo bastante animado marcado por las líneas del bajo de Flea.

La tercera del álbum es Brendan’s Death Song, una canción con aire melancólico pues se trata de la muerte de Brendan Mullen, un viejo amigo de la banda. En mi opinión, me parece bastante raro colocar una canción de este tipo a comienzos de un álbum, pero aún así, siento que no altera la línea que lleva el álbum. Gran trabajo de Josh en esta canción agregando varias capas de guitarras a la canción para lograr un acabado genial. El trabajo de Anthony en esta canción es memorable.

Ethiopia y Did I Let You Know van cargadas de influencias africanas, según Flea. La primera está inspirada en un viaje que hicieron Flea y Josh a Etiopía. Goodbye Horay es del tipo de canciones de RHCP que son más movidas, acompañada de un tiempo de 7/8.

A partir de acá el álbum ya lleva un aire más calmado, incluso una un tanto melancólica, Meet Me At The Corner, que personalmente me recuerda a Death Of A Martian de Stadium Arcadium. Cerrando el álbum encontramos Dance, Dance, Dance, de las más animadas del álbum.

En lineas generales, I’m With You es un muy buen álbum, es sencillamente Red Hot Chili Peppers haciendo lo suyo y haciéndolo bien. Se siente un gran vacío sin Frusciante y su guitarra, pero Josh supo hacer bien su trabajo e integrarse bien con el resto de los de Red Hot. El trabajo de Flea es alucinante y merece reconocimiento, el hecho de que haya decidido estudiar música en los años de descanso de la banda ha dado fruto.

85/100

The Adventures Of Rain Dance Maggie:

Pinche aquí para ver el vídeo

Gold Cobra

¿Quien dijo que el Nu-Metal estaba muerto? Es posible que algunos de esos grupos que tanto nos hicieron disfrutar esos últimos años de los 90′s y principios del nuevo milenio hayan evolucionado hacia un sonido más alternativo o experimental, véase, Linkin Park o Deftones por eso teniamos tantas ganas de escuchar algo nuevo de los de Jacksonvlle. Recordemos que no teniamos noticias sobre ellos desde que lanzaron ese extraño The Unquestionable Truth Pt 1 en formato EP -seguimos esperando esa prometida 2ª parte-. Pues bien, la espera ha terminado, después de 6 largos años tenemos aquí Gold Cobra.

Esta vez han querido hacer las cosas bien desde el principio. El polémico Fred Durst y el camaleónico Wes Borland han dejado sus diferencias a parte y han sellado definitivamente la paz (¿cuántas veces van ya?) y su batería, John Otto, parece que se ha recuperado totalmente de su problema con las drogas. Saben que ya no pueden arriesgar, que su popularidad ha decaido bastante así que han querido asegurar haciéndonos creer que todavía pueden estar a la altura de esos 3 primeros álbumes que los encumbraron a lo más alto.

Antes de empezar con el disco en sí, me gustaría hablar sobre su artwork. Nunca he sido un especial admirador de los diseños de sus portadas, pero creo que esta vez han ido más allá. Se me ocurren varios adjetivos (des)calificativos pero no quiero entrar en polémicas. Lo definiría como una mezcla entre “Adán y Eva en el Jardín del Edén” y “Abierto hasta el Amanecer”. Toma ya!

Ahora si, toca hablar de Gold Cobra y de sus 13 canciones (18 en la versión deluxe) y de como Gene Simmons, la lengua más larga del Rock, aparece en la ya típica intro de los de Florida. Echemos un vistazo al primer single del disco, la homónima “Gold Cobra”, que es la clásica canción nu-metal con una letra políticamente incorrecta y que en el videoclip, el cual ha sido críticado duramente, introducen todos los elementos básicos del estilo: skaters, camisetas de baloncesto, coches caros y sobretodo tías buenas, muchas tías buenas. Si continuamos con las primeras canciones que incluye el álbum nos encontramos con auténticos trallazos como “Bring it back”, “Shark Attack” y “Get a life” (no confundir con el tema del mismo nombre de sus amigos Korn), donde el Sr Durst hace gala de esa peculiar voz durante los versos para estallar de rabia en el estribillo. En “Shotgun”, mi canción favorita del disco, aparece el sonido de una arma que se dispara y se recarga durante los 4 minutos y medio que dura la pista. La explosión de decibelios termina con “Douche Bag” y a partir de aquí el álbum se torna un poco más pausado con la bonita “Walking away”, que recuerda vagamente a esa fantástica versión que hicieron hace ya unos años con “Behind blue eyes” de The Who y la facilona “Loser”. Más adelante vendrían cortes 100% made in LB como “Autotunage” y “90.2.10″, que hacen referencia a la dura vida del músico (nótese la ironía) y acabariamos con “Why try” y “Killer into you”, posiblemente el tema más flojo del LP.

En las 5 canciones que, además, incluye la versión deluxe podemos encontrar temas de un estilo totalmente opuestos a lo que normalmente ofrece el grupo como “Angels”, “Back Porch”, “Los Angeles” o “My own Cobain” (que pensaría el bueno de Kurt si levantara la cabeza…). Y para finalizar, Paul Wall, uno de los raperos de moda, colabora también en el tema llamado “Middle finger”.

Mi valoración final es que es un disco que no pasará a la historia pero que gana bastante en conjunto aunque echo en falta algún hit más como los que nos tenían acostumbrado antaño del estilo de “My Way”, “Break Stuff”, “Take a look around” o “Rollin”.

Lo Mejor: Limp Bizkit han vuelto!
Lo Peor: La falta de algún temazo más

Lista de canciones:

1.- “Introbra” (feat. Gene Simmons of Kiss)

2.- “Bring It Back”
3.- “Gold Cobra”
4.- “Shark Attack”
5.- “Get A Life”
6.- “Shotgun”
7.- “Douche Bag”
8.- “Walking Away”
9.- “Loser”
10.- “Autotunage”
11.- “90.2.10”
12.- “Why Try”
13.- “Killer In You”

Bonus Tracks:

1.- “Back Porch”
2.- “My Own Cobain”
3.- “Angels”
4.- “Middle Finger (Featuring Paul Wall)”
5.- “Los Angeles”

nota: 6,5/10

David

Hablamos de Zebrahead su último trabajo había sido un álbum lleno de covers llamado “Panty Raid“, el cual fue bastante divertido a la hora de escuchar. Pero aun así sabemos que su verdadero último disco fue el “Phoenix” con el que cambiaron algo el estilo que tanto les caracterizaba. Y por fin tras  unos cuantos años vuelven con “Get Nice!“. Sin duda es un disco digno de estudiar. Este trabajo cuenta con catorce canciones con una duración media de tres minutos y medio, a cada cual más interesante.

Get Nice! - Zebrahead

La portada de “Get Nice!” no sigue en la linea de los anteriores trabajos, bajo mi gusto no es muy bonita pero aun que no llame a primera vista es un buen disco. Tras una primera escucha el álbum resulta algo normalito, asi que recomiendo darle un par de escuchas, ya que así es como me convenció a mí.

Se nota un pequeño cambio en los registros de voz de Matty, algo que se nota más en un par de temas señalados. Por otro lado las estructuras  de las canciones son distintas. Sin duda podemos apreciar un nuevo estilo en el grupo, pero nada que se salga del suyo propio. Es como escuchar una continuación del “Broadcast To The World” con un toque renovado. Tal vez abusen de algunos coros, pero Zebrahead han sabido mezclarlos con guitarras de vertigo y unos ritmos frenéticos. Han usado melodias frescas, faciles y pegadizas para convencernos de que este nuevo trabajo recoge lo mejor del grupo.

“Blackout” es una muy buena canción para abrir el disco, “Nothing To Lose“  podríamos denominarla como “Anthem Part II“. El rap de “She Don’t Wanna Rock” me recuerda a algún tema de MC Lars, la cancion en sí no me acaba de convencer. En “Ricky Bobby” podemos ver un nuevo registro de Matty algo más agresivo, “Get Nice!” es quizá la más pop del álbum. “The Joke’s On You” sin duda me hace pensar en el “Phoenix“, es una buena canción. “Nudist Priest” tiene una mezcla estraña toques ska, estribillos y coros pop. “Galileo Was Wrong” es el tema más punk/pop. La canción “Trucks Stop And Tail Lights” no me convence mucho. “I’m Definitely Not Gonna Miss You” tiene el estilo más antiguo del grupo. Lo de “Too Bored To Bleed” es algo curioso, el principio me recuerda a Mest. “Kiss Your Ass Goodbye” tiene una melodia muy calmada pero no está mal. La forma de cantar del principio de”This Is Gonna Hurt You Way More Than It’s Gonna Hurt Me” es genial, transmite mucho. El resto de la canción es brutal. El disco cierra con “Demon Days” que es un tema movido pero no lo hubiese puesto como última canción.

Yo esperaba este disco con muchas ganas, pero no sabía si seguirian en la linea de sus primeros discos o del último. Para dejarnos desconcertados a todos han mezclado ambos estilos y un punto nuevo que hace del disco sea distinto pero a la vez igual. Este será un álbum que estará en mi lista de los mejores discos que ha dado el 2011.

[80/100]

Critica por Sheyla Rubio.

Kids In Glass Houses - In Gold Blood

El renacimiento para muchos grupos es el mejor paso que pueden dar en su carrera, para otros es simplemente el final de la misma. Tras un tropiezo, levantarse y sacar lo mejor de uno mismo es lo correcto y es lo que han hecho en esta ocasión los chicos de Kids In Glass Houses. El grupo lanzó en 2008 “Smart Casual” que fue un gran disco reconocido por muchos en el Reino Unido. Con ese mismo disco se pasaron por nuestro país de la mano de Zebrahead y de Simple Plan, esta ha sido la única ocasión que hemos tenido para ver al grupo sobre un escenario.

Dos años más tarde sacaron, lo que para mi fue un disco pésimo, “Dirt“. Con el cual obtuvieron el reconocimiento de la crítica más comercial y en el que contaron con la colaboración de Frankie Sandford de The Saturdays. Era un disco demasiado pop y soso, sin esa vitalidad que tanto caracterizó al primer trabajo.

Tras el segundo disco, una servidora se olvidó practicamente del grupo, ya que la dirección que tomarón no era para nada de mi agrado. Hace un par de meses escuché el single que sacaron para promocionar su tercer disco “In Gold Blood” y en cuanto lo empezé a escuchar pensé que algo bueno se acercaba.

Hablemos de la renovación que ha supuesto para el grupo este disco, que está recien sacado del horno. “Animals” fue el single elegido para enseñarnos lo que estaba por venir. Fue un single fuerte y contundente.

A la hora de presentar este trabajo, Aled (vocalista) contó que habían decidido hacer un álbum conceptual y que habian cambiado de dirección radicalmente. Y no se equivocaba, es totalmente opuesto a “Dirt“.

” In Gold Blood” cuenta con un toque especial, es una mezcla de esos ritmos bailables que les caracterizaban pero con un punto noventero, que hace de este disco un auténtico bombazo. Hay un tema del disco en el que me recuerdan a Neon Trees, no está mal pero solo dura esa canción. Ritmos rápidos, mejor dicho de vértigo, acompañados por unas buenas guitarras. La parte clave del disco va entre estos cuatro temas que voy a nombrar;

Hay mucha más energia de la que me podía esperar, “Not In This World” es un claro ejemplo. “The Florist” es una mezcla de indie, pop/rock y pop noventero que se lleva la palma.  “Animals” ha sido la perfecta elección del grupo para presentarnos el disco, es una canción que lo tiene todo y si la escucháis sabréis a lo que me refiero. No quiero decir que es la mejor del disco pero quiero destacar la importancia que ha tenido de cara a la promoción. “Fire” es una canción digna de observar, tiene un toque ochentero con un saxo incluido.

Kids In Glass Houses

El disco ha sido el claro ejemplo de la originalidad en estos tiempos tan escasos de ideas, que corren hoy en día, sin duda es punto a favor. Se nota que han tenido una gran ambición y esto se ha visto facilmente con el sonido más completo que forma “In Gold Blood“. El entusiasmo y las ganas de hacerlo bien son los que han hecho para mi, que este disco sea uno de mis discos del año.

[90/100]

Critica por Sheyla Rubio.

Con el paso de los años, hemos podido comprobar que, como es lógico, la banda ha ido cambiando desde sus inicios: los dos primeros discos (No Pads, No Helmets… Just Balls y Still Not Getting Any…) se mantenían más o menos en la misma línea, mientras que en su disco homónimo se desviaron notablemente de su estilo debido a los intentos de adaptarse a los nuevos sonidos electrónicos de aquel momento.

Personalmente, ya que he seguido a la  banda desde que lanzaron su primer disco, yo era una de esas personas que esperaba desde hace tiempo escuchar este nuevo álbum.  Por ello, cuando llegó a nuestras manos “Get Your Heart On!”, tenía la esperanza de que fuera un disco más cercano a sus inicios, pero tras escucharlo considerables veces, puedo decir que no es del todo así.

Comencemos a analizar las canciones:

En un principio, cuando lanzaron “You Suck At Love” pensé que habían tomado un camino musical más parecido a grupos como All Time Low, y no me equivocaba, ya que la canción refleja claramente el intento por acercarse al público al que estos grupos se dirigen.

Por otra parte,  la canción “Can’t Keep My Hands Of You” cumple esos matices rápidos y tan pop que les caracterizan. Tanto el estribillo como la intervención de Rivers Cuomo (y la disparidad de voces que esto conlleva), le dan algo de personalidad al tema.

El disco continúa con otro de sus singles más pop, “Jet Lag”, el cual creo que es una canción demasiado comercial, que parece haber sido hecha para aparecer en un anuncio, tal y como ya ha ocurrido. La colaboración tanto de Natasha Bedingfield y Marie-Mai, son innecesarias.

Si hablamos de “Astronaut”, cuarto tema del disco, notamos que le falta algo de fuerza, pero a pesar de esto no llega a ser la típica balada del grupo, lo que le da un punto positivo.

A pesar de que el título de “Loser Of The Year” puede poner en duda desde un principio la credibilidad de la canción, si hay algo que hay que destacar de este tema es su fuerte estribillo y el ritmo fácil y pegadizo que tiene. Por otra parte, algunos acordes guardan similitud con temas de su primer álbum.

Llega el turno de “Anywhere Else But Here”, uno de los temas que menos me gustan del disco, ya que no solo la letra sino los coros llegan a ridiculizar la canción.

Cuando escuché el adelanto de “Freaking Me Out”, supe que sería una de las canciones que más merecerían la pena dentro del disco. A pesar de sus toques electrónicos, han conseguido hacerlos encajar a la perfección con los ritmos de la batería y de la canción en general. En mi opinión, la colaboración de Alex Gaskarth (All Time Low) juega a su favor.

Si hablamos de “Summer Paradise”, debo decir desde que desde un primer momento la canción no fue de mi agrado, pareciéndome la peor de todo el álbum. El hecho de no saber si estás escuchando  Simple Plan o Travis McCoy es algo inquietante, pero lo es más aún el hecho de que aparezca en la mitad de la canción la colaboración de K’naan rapeando. Sinceramente, no sé que buscaban con esta canción.

“Gone Too Soon” es la típica canción que no puede faltar en ningún disco de los canadienses, pudiendo compararla con canciones como “Perfect” o “Untitled”.

Llegamos a “Last One Standing”, una canción que mezcla a la perfección algunos matices electrónicos con buenos riffs que se echaban de menos. Siendo la canción con más gancho y fuerza del álbum, esta es, la clara ganadora de “Get Your Heart On!”.

Por último, cierra el disco “This Song Saved My Life” una canción lenta que tiene su gancho, sobre todo para cualquier persona que la letra signifique algo más. A pesar de esto, puede parecer un poco repetitiva tanto por su letra como por su melodía. El coro del final de la canción sorprende gratamente.

Teniendo en cuenta todo esto, podemos decir que el disco en general cuenta con canciones bastante dispares, algunas sorprendiendo gratamente y otras desconcertando cuando se oyen por primera vez. Personalmente, echo de menos más fuerza en las guitarras, y no puedo evitar centrar mi atención en la sobrecarga de coros que hay en el disco. En cuanto a las letras, a pesar de que estas nunca han sido el punto fuerte de los canadienses, esperaba que tras todos estos años se notara un poco más la madurez del grupo.

Pese a no haber dado un gran paso desde su disco anterior, está claro que conseguirán llegar a un público más joven y renovado. Es un disco que merece la pena escuchar, tanto para los antiguos fans como para los que empiezan a conocerlos ahora. Eso sí, la diversidad de opiniones está servida.

[65/100]

Critica por Sheyla Rubio.

Suck it and See

Algo que tienen los chicos de Arctic Monkeys es que cambian su estilo en cada álbum. Se notó una transición bastante marcada desde el indie-rock de Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not hasta el sonido sombrío de Humbug.

Suck It And See tiene multitud de influencias que se hacen notar en el singular estilo de cada una de sus canciones.

En marzo pudimos escuchar ‘Brick By Brick’, canción con un estilo similar al garage rock, sorprendiendo a más de uno y engañando también, porque es la única de su estilo en el álbum, (parecido a lo que paso con The Strokes y ‘Under Cover Of Darkness’, primer single de Angles). Un mes después escuchamos el primer single del álbum, ‘Don’t Sit Down ’cause I’ve Moved Your Chair’ que tiene un sonido un poco más similar al de Humbug.

En lineas generales, lleva un marcado estilo vintage, en algunos casos, combinado con el estilo sombrío, meticuloso y hasta pesado de Humbug. Musicalmente, el álbum esta excelentemente trabado. Esta mezcla de influencias han llevo a los Arctic Monkeys a explorar un tanto (o más bien, bastante) el campo del psychedelic rock, que se ve plasmado en canciones como ‘She’s Thunderstorms’, ‘The Hellcat Spangled Shalalala’ o ‘Piledriver Waltz’, esta última ya la escuchamos en el EP que Alex Turner lanzó como Banda Sonora de la película Submarine (re-grabada con toda la banda para Suck It And See).

Si bien todo el álbum marca esa pauta vintage/sombría, se pueden ver canciones que salen de esta clasificación, explorando distintos estilos. Son canciones como ‘Black Treacle’, ‘Reckless Serenade’ y ‘Suck It And See’ las que tienen un estilo más calmado y con aires pop-rock en el álbum, en incluso canciones que recuerdan a los anteriores álbumes de los de Sheffield, como Library Pictures y su parecido a Do Me A Favour de el 2do álbum y All My Own Stunts (que presenta coros de Josh Homme de Queens Of The Stone Age y Them Crooked Vultures)

El álbum finaliza con otro estilo que el del comienzo. ‘That’s Where You’re Wrong’ es describiendo brevemente, una genialidad de canción, pues, si algo estoy acostumbrado de los álbumes de Arctic Monkeys es que las canciones que abren y cierran son auténticas genialidades sin alejarse del estilo que lleven en cada álbum. Arctic Monkeys ha mostrado una evolución bastante más rápida a las que estamos acostumbrados, pero Arctic Monkeys no decepciona.

Nota: [90/100]

Don’t Sit Down ’cause I’ve Moved Your Chair:

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Gayngs - Relayted

Justin Vernon (A.K.A. Bon Iver) parece estar últimamente en todos los fregados. Y uno, encandilado del mismo desde For Emma, Forever Ago, cual polilla a la luz va rastreando proyectos paralelos y colaboraciones para saciar la sed de nuevos temas.

Y Gayngs es una gota más, si bien calificarlo de proyecto paralelo de Vernon es mucho decir, puesto que si alguien lleva aquí los pantalones ese es Ryan Olson, que ha unido a numerores músicos del Midwest de USA para dar forma a este Relayted.

Entre los involucrados tenemos miembros de Megafaun, The Rosebuds, Andrew Bird, Solid Gold, Doomtree, e incluso Mike Noyce, también en Bon Iver, asi hasta alcanzar los veinticinco miembros.

Se podría tildar a Relayted de producto de laboratorio, uno de esos discos en los que el productor mete mano, toda la que puede y más, dando lugar, en este caso, a 54:55 min. de una mezcla de trip-hop, dubstep y pop electrónico de tempo pausado. Ese pop en el que las canciones van creciendo paulatinamente a medida que se van uniendo voces e instrumentos, creando capas y más capas de atmósferas crepusculares.

Aunque Bon Iver hayan sido mi reclamo particular para escuchar Relayted, Gayngs son mucho más que el agudo falsete del barbudo de Wisconsin.

Ahora…pretender que Gayngs represente el sonido Midwest es hablar de palabras mayores. Lo que si se puede decir es que temas como ‘The Gaudy Side Of Town’, ‘Cry’, ‘No Sweat’ o ‘Faded High’ pueden transformar alguna que otra noche corriente en una velada hipnótica.

Nota: [68/100]

Alex Rubio

Cry:

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Escucha Relayted en Spotify: Gayngs – Relayted

Mastodon - Live At The Aragon

Desde que Mastodon asombraran a la comunidad metálica en aquel 2002 con el pétreo Remission, no han dejado de ser noticia año tras año. Dejando asombrados a oídos inquietos con obras como Blood Mountain o Leviathan y sus estrambóticos riffs se fueron abriendo hueco a nivel internacional, saltando definitivamente a la palestra y poniendo toda la carne en el asador con el brillante Crack The Skye (se alzó con la primera posición en las listas de lo mejor del año 2009 de numerosas revistas, y de este magazine también).

Y precisamente el disco en directo que nos ocupa estructura su columna vertebral alrededor de su último álbum, que abre con la íntegra reproducción de los siete temas que lo componen nota por nota.

Músicos intachables, la técnica en Mastodon es condición sine qua non, y lo que es más, en ocasiones, aparte de una ejecución perfecta, suenan si cabe aún más contundentes que en el plástico. ‘Oblivion’, ‘Divinations’ o ‘The Czar’ son demostraciones de un poderío incontestable, si bien adolecen de  frialdad en el contacto con el público, algo lógico teniendo en cuenta la dificultad en la doma de dichas canciones. Es en ‘Crack The Skye’ y la increíble ‘The Last Baron’ donde se nota el reto que supone tocar estas complejidades en directo, desmereciendo a las versiones de estudio, no en ejecución, mas en empuje.

Ese brío lo recuperan, una vez finiquitado Crack The Skye, con ‘Circle of Cysquatch’ de Blood Mountain dando paso a la arrolladora ‘Aqua Dementia’ de Leviathan y pasando a cerrar el disco primero con una aplastante ‘Where Strides The Behemoth’ y luego con ‘Mother Puncher’, ambas de su ópera prima, y como clausura revisionan ‘The Bit’ de Melvins.

Live At The Aragon es, por tanto, un buen aperitivo de cara a lo nuevo de Mastodon, que esperemos tarde poco en llegar.

Nota: [78/100]

Alex Rubio

Oblivion:

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Escucha Live At The Aragon en Spotify: Mastodon – Live At The Aragon