Eleven Miles

Un  buen compañero del gremio musical me comentó hace unos días que el post-rock es el nuevo indie, y puede que tenga toda la razón. Se trata de un estilo en pleno apogeo, prueba de ello es el hecho de que grupos como Explosions in the Sky o Mogwai hayan agotado las entradas de sus respectivos conciertos en la ciudad condal. También tenemos casos de éxito nacional en cuanto a post-rock se refiere, como lo ha sido el último disco de los madrileño Toundra bajo el sello Aloud Music, quienes en su día apostaron por ellos como ahora van a hacerlo con EXXASENS, el grupo que nos trae a escribir estas líneas para analizar el tercer disco de su carrera musical.

Eleven Miles es capaz de crear en 42 minutos, una atmósfera espacial con cortes que en pocas ocasiones superan los 5 minutos, acompañado con perfectos títulos al compás con la atmosfera general que nos aísla en un universo propio. Es difícil describir una canción de rock instrumental hasta que no eres capaz de sentirla, sentir como si una mano gigante te cogiera por el cráneo para elevarte hasta lo más alto y después volverte a bajar, una auténtica montaña rusa.

Los momentos más duros del disco los encontramos en ‘Constellation’ y en ‘Casiopea’, esta segunda arranca con una guitarra machacante y sorprende hacia la mitad de la canción con el fragmento de una intervención del Che Guevara. La joya del disco por otro lado se llama ‘Eclipse’, y en esta ocasión presenta un estilo más parecido al de los anteriormente citados Explosions in the Sky. Puede que sea una sensación instaurada a base de escuchar grupos del mismo estilo, con la característica generalizada de que el minutaje de las canciones es notablemente superior a los temas de este Eleven Miles, esto hace que canciones de calidad como la que abre el disco, ‘Science will save us’, dejen con ganas de escuchar algo más su evolución musical.

Y que no haya confusión con el inicio de esta reseña, EXXASENS están aquí por algo más que una moda, publicar un disco como este y evolucionar como lo han hecho, requiere uno de los bienes más preciados por el hombre y posiblemente la mayor clave del éxito, tiempo y trabajo.

El idioma de EXXASENS es universal.

75/100

Joel Panadés.

I'm With You

I’m With You es el primer álbum en 5 años de los californianos de Red Hot Chili Peppers. Después de la gira de Stadium Arcadium la banda se tomó 2 años de descanso (donde a mitad de descanso se dió a conocer que John Frusciante había abandonado la banda) y luego, según Kiedis, la banda se tomó un año para empezar a componer lo que ahora es su décimo álbum.

Este álbum es el primer álbum con Josh Klinghoffer como guitarrista, que no es desconocido para los fanáticos de RHCP ya que estuvo como segundo guitarrista en la fase final de la gira de Stadium Arcadium e incluso ha trabajado en varias ocasiones con John Frusciante en bandas como Ataxia o en el álbum colaborativo A Sphere In The Heart Of Silence.

Monarchy Of Roses abre el álbum con percusión, ruidos de guitarras de Josh y la voz de Anthony durante casi 1 minuto hasta que entra de golpe el clásico funk de Red Hot guiado por el siempre presente Flea. Luego, más funk con Factory Of Faith, que desde el comienzo lleva un ritmo bastante animado marcado por las líneas del bajo de Flea.

La tercera del álbum es Brendan’s Death Song, una canción con aire melancólico pues se trata de la muerte de Brendan Mullen, un viejo amigo de la banda. En mi opinión, me parece bastante raro colocar una canción de este tipo a comienzos de un álbum, pero aún así, siento que no altera la línea que lleva el álbum. Gran trabajo de Josh en esta canción agregando varias capas de guitarras a la canción para lograr un acabado genial. El trabajo de Anthony en esta canción es memorable.

Ethiopia y Did I Let You Know van cargadas de influencias africanas, según Flea. La primera está inspirada en un viaje que hicieron Flea y Josh a Etiopía. Goodbye Horay es del tipo de canciones de RHCP que son más movidas, acompañada de un tiempo de 7/8.

A partir de acá el álbum ya lleva un aire más calmado, incluso una un tanto melancólica, Meet Me At The Corner, que personalmente me recuerda a Death Of A Martian de Stadium Arcadium. Cerrando el álbum encontramos Dance, Dance, Dance, de las más animadas del álbum.

En lineas generales, I’m With You es un muy buen álbum, es sencillamente Red Hot Chili Peppers haciendo lo suyo y haciéndolo bien. Se siente un gran vacío sin Frusciante y su guitarra, pero Josh supo hacer bien su trabajo e integrarse bien con el resto de los de Red Hot. El trabajo de Flea es alucinante y merece reconocimiento, el hecho de que haya decidido estudiar música en los años de descanso de la banda ha dado fruto.

85/100

The Adventures Of Rain Dance Maggie:

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Gold Cobra

¿Quien dijo que el Nu-Metal estaba muerto? Es posible que algunos de esos grupos que tanto nos hicieron disfrutar esos últimos años de los 90′s y principios del nuevo milenio hayan evolucionado hacia un sonido más alternativo o experimental, véase, Linkin Park o Deftones por eso teniamos tantas ganas de escuchar algo nuevo de los de Jacksonvlle. Recordemos que no teniamos noticias sobre ellos desde que lanzaron ese extraño The Unquestionable Truth Pt 1 en formato EP -seguimos esperando esa prometida 2ª parte-. Pues bien, la espera ha terminado, después de 6 largos años tenemos aquí Gold Cobra.

Esta vez han querido hacer las cosas bien desde el principio. El polémico Fred Durst y el camaleónico Wes Borland han dejado sus diferencias a parte y han sellado definitivamente la paz (¿cuántas veces van ya?) y su batería, John Otto, parece que se ha recuperado totalmente de su problema con las drogas. Saben que ya no pueden arriesgar, que su popularidad ha decaido bastante así que han querido asegurar haciéndonos creer que todavía pueden estar a la altura de esos 3 primeros álbumes que los encumbraron a lo más alto.

Antes de empezar con el disco en sí, me gustaría hablar sobre su artwork. Nunca he sido un especial admirador de los diseños de sus portadas, pero creo que esta vez han ido más allá. Se me ocurren varios adjetivos (des)calificativos pero no quiero entrar en polémicas. Lo definiría como una mezcla entre “Adán y Eva en el Jardín del Edén” y “Abierto hasta el Amanecer”. Toma ya!

Ahora si, toca hablar de Gold Cobra y de sus 13 canciones (18 en la versión deluxe) y de como Gene Simmons, la lengua más larga del Rock, aparece en la ya típica intro de los de Florida. Echemos un vistazo al primer single del disco, la homónima “Gold Cobra”, que es la clásica canción nu-metal con una letra políticamente incorrecta y que en el videoclip, el cual ha sido críticado duramente, introducen todos los elementos básicos del estilo: skaters, camisetas de baloncesto, coches caros y sobretodo tías buenas, muchas tías buenas. Si continuamos con las primeras canciones que incluye el álbum nos encontramos con auténticos trallazos como “Bring it back”, “Shark Attack” y “Get a life” (no confundir con el tema del mismo nombre de sus amigos Korn), donde el Sr Durst hace gala de esa peculiar voz durante los versos para estallar de rabia en el estribillo. En “Shotgun”, mi canción favorita del disco, aparece el sonido de una arma que se dispara y se recarga durante los 4 minutos y medio que dura la pista. La explosión de decibelios termina con “Douche Bag” y a partir de aquí el álbum se torna un poco más pausado con la bonita “Walking away”, que recuerda vagamente a esa fantástica versión que hicieron hace ya unos años con “Behind blue eyes” de The Who y la facilona “Loser”. Más adelante vendrían cortes 100% made in LB como “Autotunage” y “90.2.10″, que hacen referencia a la dura vida del músico (nótese la ironía) y acabariamos con “Why try” y “Killer into you”, posiblemente el tema más flojo del LP.

En las 5 canciones que, además, incluye la versión deluxe podemos encontrar temas de un estilo totalmente opuestos a lo que normalmente ofrece el grupo como “Angels”, “Back Porch”, “Los Angeles” o “My own Cobain” (que pensaría el bueno de Kurt si levantara la cabeza…). Y para finalizar, Paul Wall, uno de los raperos de moda, colabora también en el tema llamado “Middle finger”.

Mi valoración final es que es un disco que no pasará a la historia pero que gana bastante en conjunto aunque echo en falta algún hit más como los que nos tenían acostumbrado antaño del estilo de “My Way”, “Break Stuff”, “Take a look around” o “Rollin”.

Lo Mejor: Limp Bizkit han vuelto!
Lo Peor: La falta de algún temazo más

Lista de canciones:

1.- “Introbra” (feat. Gene Simmons of Kiss)

2.- “Bring It Back”
3.- “Gold Cobra”
4.- “Shark Attack”
5.- “Get A Life”
6.- “Shotgun”
7.- “Douche Bag”
8.- “Walking Away”
9.- “Loser”
10.- “Autotunage”
11.- “90.2.10”
12.- “Why Try”
13.- “Killer In You”

Bonus Tracks:

1.- “Back Porch”
2.- “My Own Cobain”
3.- “Angels”
4.- “Middle Finger (Featuring Paul Wall)”
5.- “Los Angeles”

nota: 6,5/10

David

Hablamos de Zebrahead su último trabajo había sido un álbum lleno de covers llamado “Panty Raid“, el cual fue bastante divertido a la hora de escuchar. Pero aun así sabemos que su verdadero último disco fue el “Phoenix” con el que cambiaron algo el estilo que tanto les caracterizaba. Y por fin tras  unos cuantos años vuelven con “Get Nice!“. Sin duda es un disco digno de estudiar. Este trabajo cuenta con catorce canciones con una duración media de tres minutos y medio, a cada cual más interesante.

Get Nice! - Zebrahead

La portada de “Get Nice!” no sigue en la linea de los anteriores trabajos, bajo mi gusto no es muy bonita pero aun que no llame a primera vista es un buen disco. Tras una primera escucha el álbum resulta algo normalito, asi que recomiendo darle un par de escuchas, ya que así es como me convenció a mí.

Se nota un pequeño cambio en los registros de voz de Matty, algo que se nota más en un par de temas señalados. Por otro lado las estructuras  de las canciones son distintas. Sin duda podemos apreciar un nuevo estilo en el grupo, pero nada que se salga del suyo propio. Es como escuchar una continuación del “Broadcast To The World” con un toque renovado. Tal vez abusen de algunos coros, pero Zebrahead han sabido mezclarlos con guitarras de vertigo y unos ritmos frenéticos. Han usado melodias frescas, faciles y pegadizas para convencernos de que este nuevo trabajo recoge lo mejor del grupo.

“Blackout” es una muy buena canción para abrir el disco, “Nothing To Lose“  podríamos denominarla como “Anthem Part II“. El rap de “She Don’t Wanna Rock” me recuerda a algún tema de MC Lars, la cancion en sí no me acaba de convencer. En “Ricky Bobby” podemos ver un nuevo registro de Matty algo más agresivo, “Get Nice!” es quizá la más pop del álbum. “The Joke’s On You” sin duda me hace pensar en el “Phoenix“, es una buena canción. “Nudist Priest” tiene una mezcla estraña toques ska, estribillos y coros pop. “Galileo Was Wrong” es el tema más punk/pop. La canción “Trucks Stop And Tail Lights” no me convence mucho. “I’m Definitely Not Gonna Miss You” tiene el estilo más antiguo del grupo. Lo de “Too Bored To Bleed” es algo curioso, el principio me recuerda a Mest. “Kiss Your Ass Goodbye” tiene una melodia muy calmada pero no está mal. La forma de cantar del principio de”This Is Gonna Hurt You Way More Than It’s Gonna Hurt Me” es genial, transmite mucho. El resto de la canción es brutal. El disco cierra con “Demon Days” que es un tema movido pero no lo hubiese puesto como última canción.

Yo esperaba este disco con muchas ganas, pero no sabía si seguirian en la linea de sus primeros discos o del último. Para dejarnos desconcertados a todos han mezclado ambos estilos y un punto nuevo que hace del disco sea distinto pero a la vez igual. Este será un álbum que estará en mi lista de los mejores discos que ha dado el 2011.

[80/100]

Critica por Sheyla Rubio.

Kids In Glass Houses - In Gold Blood

El renacimiento para muchos grupos es el mejor paso que pueden dar en su carrera, para otros es simplemente el final de la misma. Tras un tropiezo, levantarse y sacar lo mejor de uno mismo es lo correcto y es lo que han hecho en esta ocasión los chicos de Kids In Glass Houses. El grupo lanzó en 2008 “Smart Casual” que fue un gran disco reconocido por muchos en el Reino Unido. Con ese mismo disco se pasaron por nuestro país de la mano de Zebrahead y de Simple Plan, esta ha sido la única ocasión que hemos tenido para ver al grupo sobre un escenario.

Dos años más tarde sacaron, lo que para mi fue un disco pésimo, “Dirt“. Con el cual obtuvieron el reconocimiento de la crítica más comercial y en el que contaron con la colaboración de Frankie Sandford de The Saturdays. Era un disco demasiado pop y soso, sin esa vitalidad que tanto caracterizó al primer trabajo.

Tras el segundo disco, una servidora se olvidó practicamente del grupo, ya que la dirección que tomarón no era para nada de mi agrado. Hace un par de meses escuché el single que sacaron para promocionar su tercer disco “In Gold Blood” y en cuanto lo empezé a escuchar pensé que algo bueno se acercaba.

Hablemos de la renovación que ha supuesto para el grupo este disco, que está recien sacado del horno. “Animals” fue el single elegido para enseñarnos lo que estaba por venir. Fue un single fuerte y contundente.

A la hora de presentar este trabajo, Aled (vocalista) contó que habían decidido hacer un álbum conceptual y que habian cambiado de dirección radicalmente. Y no se equivocaba, es totalmente opuesto a “Dirt“.

” In Gold Blood” cuenta con un toque especial, es una mezcla de esos ritmos bailables que les caracterizaban pero con un punto noventero, que hace de este disco un auténtico bombazo. Hay un tema del disco en el que me recuerdan a Neon Trees, no está mal pero solo dura esa canción. Ritmos rápidos, mejor dicho de vértigo, acompañados por unas buenas guitarras. La parte clave del disco va entre estos cuatro temas que voy a nombrar;

Hay mucha más energia de la que me podía esperar, “Not In This World” es un claro ejemplo. “The Florist” es una mezcla de indie, pop/rock y pop noventero que se lleva la palma.  “Animals” ha sido la perfecta elección del grupo para presentarnos el disco, es una canción que lo tiene todo y si la escucháis sabréis a lo que me refiero. No quiero decir que es la mejor del disco pero quiero destacar la importancia que ha tenido de cara a la promoción. “Fire” es una canción digna de observar, tiene un toque ochentero con un saxo incluido.

Kids In Glass Houses

El disco ha sido el claro ejemplo de la originalidad en estos tiempos tan escasos de ideas, que corren hoy en día, sin duda es punto a favor. Se nota que han tenido una gran ambición y esto se ha visto facilmente con el sonido más completo que forma “In Gold Blood“. El entusiasmo y las ganas de hacerlo bien son los que han hecho para mi, que este disco sea uno de mis discos del año.

[90/100]

Critica por Sheyla Rubio.

Con el paso de los años, hemos podido comprobar que, como es lógico, la banda ha ido cambiando desde sus inicios: los dos primeros discos (No Pads, No Helmets… Just Balls y Still Not Getting Any…) se mantenían más o menos en la misma línea, mientras que en su disco homónimo se desviaron notablemente de su estilo debido a los intentos de adaptarse a los nuevos sonidos electrónicos de aquel momento.

Personalmente, ya que he seguido a la  banda desde que lanzaron su primer disco, yo era una de esas personas que esperaba desde hace tiempo escuchar este nuevo álbum.  Por ello, cuando llegó a nuestras manos “Get Your Heart On!”, tenía la esperanza de que fuera un disco más cercano a sus inicios, pero tras escucharlo considerables veces, puedo decir que no es del todo así.

Comencemos a analizar las canciones:

En un principio, cuando lanzaron “You Suck At Love” pensé que habían tomado un camino musical más parecido a grupos como All Time Low, y no me equivocaba, ya que la canción refleja claramente el intento por acercarse al público al que estos grupos se dirigen.

Por otra parte,  la canción “Can’t Keep My Hands Of You” cumple esos matices rápidos y tan pop que les caracterizan. Tanto el estribillo como la intervención de Rivers Cuomo (y la disparidad de voces que esto conlleva), le dan algo de personalidad al tema.

El disco continúa con otro de sus singles más pop, “Jet Lag”, el cual creo que es una canción demasiado comercial, que parece haber sido hecha para aparecer en un anuncio, tal y como ya ha ocurrido. La colaboración tanto de Natasha Bedingfield y Marie-Mai, son innecesarias.

Si hablamos de “Astronaut”, cuarto tema del disco, notamos que le falta algo de fuerza, pero a pesar de esto no llega a ser la típica balada del grupo, lo que le da un punto positivo.

A pesar de que el título de “Loser Of The Year” puede poner en duda desde un principio la credibilidad de la canción, si hay algo que hay que destacar de este tema es su fuerte estribillo y el ritmo fácil y pegadizo que tiene. Por otra parte, algunos acordes guardan similitud con temas de su primer álbum.

Llega el turno de “Anywhere Else But Here”, uno de los temas que menos me gustan del disco, ya que no solo la letra sino los coros llegan a ridiculizar la canción.

Cuando escuché el adelanto de “Freaking Me Out”, supe que sería una de las canciones que más merecerían la pena dentro del disco. A pesar de sus toques electrónicos, han conseguido hacerlos encajar a la perfección con los ritmos de la batería y de la canción en general. En mi opinión, la colaboración de Alex Gaskarth (All Time Low) juega a su favor.

Si hablamos de “Summer Paradise”, debo decir desde que desde un primer momento la canción no fue de mi agrado, pareciéndome la peor de todo el álbum. El hecho de no saber si estás escuchando  Simple Plan o Travis McCoy es algo inquietante, pero lo es más aún el hecho de que aparezca en la mitad de la canción la colaboración de K’naan rapeando. Sinceramente, no sé que buscaban con esta canción.

“Gone Too Soon” es la típica canción que no puede faltar en ningún disco de los canadienses, pudiendo compararla con canciones como “Perfect” o “Untitled”.

Llegamos a “Last One Standing”, una canción que mezcla a la perfección algunos matices electrónicos con buenos riffs que se echaban de menos. Siendo la canción con más gancho y fuerza del álbum, esta es, la clara ganadora de “Get Your Heart On!”.

Por último, cierra el disco “This Song Saved My Life” una canción lenta que tiene su gancho, sobre todo para cualquier persona que la letra signifique algo más. A pesar de esto, puede parecer un poco repetitiva tanto por su letra como por su melodía. El coro del final de la canción sorprende gratamente.

Teniendo en cuenta todo esto, podemos decir que el disco en general cuenta con canciones bastante dispares, algunas sorprendiendo gratamente y otras desconcertando cuando se oyen por primera vez. Personalmente, echo de menos más fuerza en las guitarras, y no puedo evitar centrar mi atención en la sobrecarga de coros que hay en el disco. En cuanto a las letras, a pesar de que estas nunca han sido el punto fuerte de los canadienses, esperaba que tras todos estos años se notara un poco más la madurez del grupo.

Pese a no haber dado un gran paso desde su disco anterior, está claro que conseguirán llegar a un público más joven y renovado. Es un disco que merece la pena escuchar, tanto para los antiguos fans como para los que empiezan a conocerlos ahora. Eso sí, la diversidad de opiniones está servida.

[65/100]

Critica por Sheyla Rubio.

Suck it and See

Algo que tienen los chicos de Arctic Monkeys es que cambian su estilo en cada álbum. Se notó una transición bastante marcada desde el indie-rock de Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not hasta el sonido sombrío de Humbug.

Suck It And See tiene multitud de influencias que se hacen notar en el singular estilo de cada una de sus canciones.

En marzo pudimos escuchar ‘Brick By Brick’, canción con un estilo similar al garage rock, sorprendiendo a más de uno y engañando también, porque es la única de su estilo en el álbum, (parecido a lo que paso con The Strokes y ‘Under Cover Of Darkness’, primer single de Angles). Un mes después escuchamos el primer single del álbum, ‘Don’t Sit Down ’cause I’ve Moved Your Chair’ que tiene un sonido un poco más similar al de Humbug.

En lineas generales, lleva un marcado estilo vintage, en algunos casos, combinado con el estilo sombrío, meticuloso y hasta pesado de Humbug. Musicalmente, el álbum esta excelentemente trabado. Esta mezcla de influencias han llevo a los Arctic Monkeys a explorar un tanto (o más bien, bastante) el campo del psychedelic rock, que se ve plasmado en canciones como ‘She’s Thunderstorms’, ‘The Hellcat Spangled Shalalala’ o ‘Piledriver Waltz’, esta última ya la escuchamos en el EP que Alex Turner lanzó como Banda Sonora de la película Submarine (re-grabada con toda la banda para Suck It And See).

Si bien todo el álbum marca esa pauta vintage/sombría, se pueden ver canciones que salen de esta clasificación, explorando distintos estilos. Son canciones como ‘Black Treacle’, ‘Reckless Serenade’ y ‘Suck It And See’ las que tienen un estilo más calmado y con aires pop-rock en el álbum, en incluso canciones que recuerdan a los anteriores álbumes de los de Sheffield, como Library Pictures y su parecido a Do Me A Favour de el 2do álbum y All My Own Stunts (que presenta coros de Josh Homme de Queens Of The Stone Age y Them Crooked Vultures)

El álbum finaliza con otro estilo que el del comienzo. ‘That’s Where You’re Wrong’ es describiendo brevemente, una genialidad de canción, pues, si algo estoy acostumbrado de los álbumes de Arctic Monkeys es que las canciones que abren y cierran son auténticas genialidades sin alejarse del estilo que lleven en cada álbum. Arctic Monkeys ha mostrado una evolución bastante más rápida a las que estamos acostumbrados, pero Arctic Monkeys no decepciona.

Nota: [90/100]

Don’t Sit Down ’cause I’ve Moved Your Chair:

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Gayngs - Relayted

Justin Vernon (A.K.A. Bon Iver) parece estar últimamente en todos los fregados. Y uno, encandilado del mismo desde For Emma, Forever Ago, cual polilla a la luz va rastreando proyectos paralelos y colaboraciones para saciar la sed de nuevos temas.

Y Gayngs es una gota más, si bien calificarlo de proyecto paralelo de Vernon es mucho decir, puesto que si alguien lleva aquí los pantalones ese es Ryan Olson, que ha unido a numerores músicos del Midwest de USA para dar forma a este Relayted.

Entre los involucrados tenemos miembros de Megafaun, The Rosebuds, Andrew Bird, Solid Gold, Doomtree, e incluso Mike Noyce, también en Bon Iver, asi hasta alcanzar los veinticinco miembros.

Se podría tildar a Relayted de producto de laboratorio, uno de esos discos en los que el productor mete mano, toda la que puede y más, dando lugar, en este caso, a 54:55 min. de una mezcla de trip-hop, dubstep y pop electrónico de tempo pausado. Ese pop en el que las canciones van creciendo paulatinamente a medida que se van uniendo voces e instrumentos, creando capas y más capas de atmósferas crepusculares.

Aunque Bon Iver hayan sido mi reclamo particular para escuchar Relayted, Gayngs son mucho más que el agudo falsete del barbudo de Wisconsin.

Ahora…pretender que Gayngs represente el sonido Midwest es hablar de palabras mayores. Lo que si se puede decir es que temas como ‘The Gaudy Side Of Town’, ‘Cry’, ‘No Sweat’ o ‘Faded High’ pueden transformar alguna que otra noche corriente en una velada hipnótica.

Nota: [68/100]

Alex Rubio

Cry:

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Escucha Relayted en Spotify: Gayngs – Relayted

Mastodon - Live At The Aragon

Desde que Mastodon asombraran a la comunidad metálica en aquel 2002 con el pétreo Remission, no han dejado de ser noticia año tras año. Dejando asombrados a oídos inquietos con obras como Blood Mountain o Leviathan y sus estrambóticos riffs se fueron abriendo hueco a nivel internacional, saltando definitivamente a la palestra y poniendo toda la carne en el asador con el brillante Crack The Skye (se alzó con la primera posición en las listas de lo mejor del año 2009 de numerosas revistas, y de este magazine también).

Y precisamente el disco en directo que nos ocupa estructura su columna vertebral alrededor de su último álbum, que abre con la íntegra reproducción de los siete temas que lo componen nota por nota.

Músicos intachables, la técnica en Mastodon es condición sine qua non, y lo que es más, en ocasiones, aparte de una ejecución perfecta, suenan si cabe aún más contundentes que en el plástico. ‘Oblivion’, ‘Divinations’ o ‘The Czar’ son demostraciones de un poderío incontestable, si bien adolecen de  frialdad en el contacto con el público, algo lógico teniendo en cuenta la dificultad en la doma de dichas canciones. Es en ‘Crack The Skye’ y la increíble ‘The Last Baron’ donde se nota el reto que supone tocar estas complejidades en directo, desmereciendo a las versiones de estudio, no en ejecución, mas en empuje.

Ese brío lo recuperan, una vez finiquitado Crack The Skye, con ‘Circle of Cysquatch’ de Blood Mountain dando paso a la arrolladora ‘Aqua Dementia’ de Leviathan y pasando a cerrar el disco primero con una aplastante ‘Where Strides The Behemoth’ y luego con ‘Mother Puncher’, ambas de su ópera prima, y como clausura revisionan ‘The Bit’ de Melvins.

Live At The Aragon es, por tanto, un buen aperitivo de cara a lo nuevo de Mastodon, que esperemos tarde poco en llegar.

Nota: [78/100]

Alex Rubio

Oblivion:

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Escucha Live At The Aragon en Spotify: Mastodon – Live At The Aragon

Thursday - No Devolución

En un capítulo de la serie estadounidense Modern Family el simpático Manny, preocupado por ser el bicho raro de su clase, pide consejo a Mitchell sobre como actuar. Si dar rienda suelta a su peculiar personalidad o intentar pasar desapercibido en la masa, a lo cual el pelirrojo le dice muy sabiamente lo siguiente (más o menos textualmente): “cuando somos jóvenes todo el mundo busca pasar desapercibido, no destacar ni llamar la atención. Sin embargo, conforme vamos creciendo y los años van cayendo como fichas de dominó, las personas intentamos encontrar nuestro propio espacio, nuestra propia personalidad. Y, aunque se pase mal al ser diferente, ahora nosotros les llevamos años de ventaja a los demás.”

Thursday han vivido el mismo proceso. Maltratados por la industria, que se las prometía felices tras el bombazo de Full Collapse, por su especial forma de entender la música. Y como resultado también van unos pasos por delante del resto de grupos de su entorno, como demuestra su discografía y más recientemente No Devolución, su última entrega.

En este sentido las doce canciones que nos ocupan son claramente definitorias del sonido que los de New Jersey han ido creando poco a poco cual hormigas obreras, introduciendo detalles inéditos hollando, creando un compendio que incluye el post-hardcore que les vio nacer y mucho más. Pequeñas dosis de post-rock, un chorro de letras inteligentes, un galón de shoegaze y un hectolitro de clase y elegancia, que posibilitan una mezcla tan explosiva y deliciosa al mismo tiempo como ‘Fast To End’, ‘No Answers’, ‘A Darker Forest’, ‘Turnpike Divides’, ‘A Gun In The First Act’, etc.

No Devolución es la perfecta combinación de A City By The Light Divided y Common Existence, la confirmación de que Thursday, tras haber superado sus conflictos internos y con la incorporación completa de Andrew Everding al teclado , se encuentran en su momento más dulce e inspirado.

Nota: [83/100]

Alex Rubio

No Answers:

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Dredg - Chuckles & Mr. Squeezy

Cualquiera que haya escuchado El Cielo o Catch Without Arms se habrá dado cuenta de que Dredg no es una banda al uso. Aún más si se indaga sobre la conceptualidad que rodea a sus obras, pues no hay muchos grupos que tomen como eje para sus canciones cuadros de Dalí o la dualidad del Ying-Yang.

El cuarteto de Los Gatos son artistas de culo inquieto… inquietísimo. Siempre tratando de innovar y encontrar los sonidos más inhóspitos. Y esa es un siembra que en  ocasiones da buenos e incluso geniales frutos, pero en otros, como el que nos ocupa, poco se puede salvar de una recolecta mediocre tirando a mala.

Chuckles & Mr. Squeezy es  el peor disco de Dredg, un batiburrillo de ideas mal cohesionadas que hacen que uno acabe aburrido irremediablemente. Si, hay detalles por aquí y por allá dignos de mención, su calidad como músicos los delata, pero la impresión general es la de estar frente a un disco de caras B…si no C.

‘The Ornament’ ,por ejemplo, es resultona, sin ser nada de otro mundo. Lo mismo ocurre con ‘Another Tribe’ y ‘The Thought Of Losing You’ (la más pegadiza).  Aún así parece que tras un concierto les hayan robado los pedales de distorsión y para salir del paso hayan tirado por un rollo más arty (Dan The Automator puede tener algo que ver), si bien creo que este viraje en su sonido es claramente intencional, para seguir desmarcándose de sus coetáneos.

Les ha salido el tiro por la culata: los ritmos bailables, lo popero/indie y lo étnico (en este caso) le sientan a su sonido como una camisa a un pantalón de chándal. Como muestra un botón: ‘Where I’ll End Up’ es, sin cortapisas, sonrojante.

Y fijaos, me entristece hacer esta valoración porque considero a los de Gavin Hayes un gran grupo que me ha regalado grandes momentos en forma de canciones, pero Chuckles… es un batacazo en toda regla. Tengamos fé en que deshagan el entuerto en un futuro. Mientras tanto seguiré tarareando ‘Matroshka’…

Nota: [48/100]

Alex Rubio

The Thought Of Losing You:

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Screaming Bloody Murder - Sum 41

Parece que el tiempo no pasa, pero ya hace más de diez años desde que los canadienses Sum 41 sacasen su primer álbum. Y precisamente este año se cumple una decada de su exitoso “All Killer No Filler”.

Hace unos años si pensabas en Sum 41 y en la palabra madurez al mismo tiempo eran dos cosas totalmente incoherentes. Pero ese día llego y lo hizo de la mano del “Screaming Bloody Murder”.

Sin duda alguna el divorcio de Deryck ha influido sobre este disco de forma bastante directa. Solo tienes que comprobar la calidad del “Underclass Hero” y la de este último.

Hay partes del disco suenan muy familiares, con melodías y ritmos tal vez inspirados en otras canciones. Sin embargo, este álbum se adapta fácilmente de alguna manera a nuestros oídos. Creo que han conseguido la mezcla que hace que se vea un álbum mucho más honesto y real.

Mis partes favoritas del disco probablemente son “Jessica Kill”, donde se encuentra el mayor del peso del álbum con un gran sentimiento de ira, es algo sombría pero encaja perfectamente.

Y las dos primeras canciones de la parte “A Dark Road Out Of Hell”.

Una es “Holy Image of Lies” que cuenta con unas guitarras bastante pesadas y una voz muy melodica, ambas llenas de pena y de arrepentimiento. Todo es un poco grandilocuente y tiene un toque melodramático, pero con mucha habilidad, y da un pequeño matiz impresionante para la entrada de la espléndida “Sick of Everyone”.

“Crash” es una gran canción, transmite mucho, podría interpretarse como el final de su matrimonio, la canción es muy sincera y conmovedora, son montones de emociones disfrazadas tras el sonido de un piano.

Poco más que decir sobre este disco.
Después del fiasco con el “Underclass Hero“, creo que nos esperábamos cualquier cosa. Personalmente cuando se habló de un nuevo álbum pensé que iba a ser peor que el anterior, pero solo por contradecirme los canadienses han creado un disco bastante serio, tanto personalmente, como a la hora de escucharlo. Tiene merito quitarte un poco (he dicho un poco) el disfraz de rebelde del punk y empezar a hacer algo de peso.

No es el disco que todos esperabamos, pero si es un paso hacia delante.

Nota:[75/100]

Sheyla Rubio

Go Now And Live - We Are The Ocean

A penas hace un par de años We Are The Ocean eran unos completos desconocidos pero de ese tiempo a ahora se han dado a conocer en un mercado que parece a punto de explotar.

Recuerdo la primera vez que escuche el grupo, estuve machacando las cuatro o cinco canciones que tenían durante semanas. “Nothing Good Has Happened Yet” fue una autentica revelación, estaba oyendo algo auténtico  que sabia combinar los melódicos y una voz rasgada con absoluta armonía.

Siempre he pensado que si We Are The Ocean perdiesen a Liam por cualquier motivo de entre sus filas, el grupo no podría recomponerse o les sería bastante difícil hacerlo. Es algo parecido a Alexisonfire con Dallas Green.

Ahora mismo los chicos están a punto de lanzar “Go Now And Live” que aunque tienen una  sencilla portada sabes que dentro se esconde algo bueno. Una montaña que se difumina bajo la sombra de las alas extendidas de un aguila.

Hace muy poco sacaron el single “The Waiting Room” y tengo que decir que es una de las mejores canciones que esconde este disco.

Siguen jugando con unos ritmos pop que encajan a la perfección con las voces de Liam Cromby y Dan Brown.

“Overtime Is A Crime” es quizás la más cruda del disco, pero no abandona la esencia del álbum. También me recuerda a una canción que ahora mismo no consigo recordar.

No os creáis que todo el disco es un revuelo de gargantas rasgadas y de melódicos bien encajados, en este álbum también podemos encontrar la parte “ñoña” del grupo con “Now & Then” que suena como un momento en el que recuerdas algo, tal vez con cierta añoranza.

Es cierto que los temas más fuertes son los primeros, según va terminando el disco las canciones van perdiendo energía. Algo que sin duda han hecho bastante bien, a algunos nos gusta empezar fuerte y acabar con algo sosegado para no machacar el oido con la misma cantinela una y otra vez.

Comparando con los anteriores álbumes tengo que decir que han perdido algunos gritos y esa ambientación que envolvía el “Look Alive” o el “Cutting Our Teeth” (esto no sé si es cosa mía) pero a su favor digo que la técnica va mejorando y suena mucho más contundente.

En definitiva es “Go Now And Live” posee una gran calidad. Solo tenéis que escucharlo atentamente un par de veces y os daréis cuenta de esto rápidamente.

Lo único que nos queda es escucharlo en directo y para ello solo tenemos que esperar unas semanas, allí le daremos el veredicto final.

Nota: [75/100]

Sheyla Rubio

Something To Die For - The Sounds

Si hoy en día hay algún miedo en el mundo de la música, es el miedo al cambio. Muchos grupos se estancan en un estilo y si escuchas disco tras disco parece que estas escuchando uno pero infinito. Otros cambian sin pensárselo dos veces y lo hacen mal.

Pero si hay algo que caracteriza el nuevo disco de The Sounds es el valor de innovar. No hay miedos, solo el trabajo de unos cuantos chicos que por primera vez en casi diez años producen su disco. Y como resultado de todo esto sale el “Something To Die For”.

La portada del disco no es algo que me guste demasiado, es más no me inspira nada. Vale es más bien fea si nos ponemos a comparar con sus anteriores discos.

En “Something To Die For” han mantenido el listón tan alto como nos esperábamos y las expectativas de sus fans creo que se han cumplido en cierta medida aunque haya un cambio algo significativo del sonido.

Si entre los anteriores trabajos de The Sounds había a duras penas diferencias musicales, con este es totalmente lo contrario.

Desde el principio con “It’s So Easy” te das cuenta que es una leve presentación de lo que te espera. El disco aguarda melodías dance, beats de infarto y un teclado magnifico que se luce esta vez por todo lo alto.

Supongo que todo este cambio a la hora de producir su disco ha sido esencial el estar en Suecia y no en Estados Unidos como en sus anteriores trabajos. Se han relajado y han dado lo mejor de si mismos, ofreciendo al público su autenticidad.

Como siempre en un disco de los suecos no falta personalidad en sus temas, los cuales tienen actitud por si solos. Los tonos electronicos que caracterizan a The Sounds siguen presentes  y se desarrollan a lo largo del disco con total naturalidad.

Bajo mi punto de vista como ya dije en la anterior crítica de P!ATD, diez canciones me parecen muy pocas, tal vez un par de temas más hubiese sido la clave. Sin embargo puedo decir que es una buena renovación pero sin fallar a sus raices. Sin duda es un discazo. ¡Es imposible quedarse quieto!

Nota: [85/100]

Sheyla Rubio

Foo Fighters - Wasting Light

A estas alturas de la película poco, o nada, tiene por demostrar el bueno de Dave Grohl.

Repasemos credenciales: batería de Nirvana (obviemos proyectos anteriores como Scream, que también), multitud de colaboraciones, mención especial a Songs For The Deaf de QOTSA, su proyecto metálico Probot, Them Crooked Vultures… y de por medio discos tan capitales como The Colour And The Shape y canciones que desde ya forman parte  de la historia del colectivo rockero por derecho propio. No hace falta que las nombre.

Wasting Light supone un ejercicio de segunda juventud. Tras los proyectos paralelos en los que se han embarcado cada uno de los miembros del grupo (discos en solitario de Taylor Hawkins y Chris Shiflett, Nate Mendel con Sunny Day Real Estate) se ha dado una de esas reuniones entre amigos que hace tiempo que no se ven, de las que han resurgido viejas historietas y batallitas conformando un chute de energía y complicidad.

Desde Pat Smear, ahora miembro de los Foo con pleno derecho, pasando por el desaparecido bajista de Nirvana, Krist Novoselic, que dona su saber hacer a las cuatro cuerdas y el acordeón en ‘I Should Have Known’ y como guest star, que dirían en alguna serie estadounidense, Bob Mould de Hüsker Dü.

Para rematar la faena Wasting Light se ha grabado en el garaje de la familia Grohl, dejando de lado los lujosos estudios que posee el frontman, con equipo totalmente analógico y la supervisión de Butch Vig (Dave coincidió con él en Nevermind) lo que le aporta la crudeza necesaria que necesitan los temas de rock potente de los Foo.

Hablando en plata: los planetas se han alineado para hacer de éste el mejor disco de los Foo Fighters desde The Colour And The Shape. Si es que no lo iguala o supera. Así de claro.

Desde ‘White Limo’, quizás la pieza más dura que hayan creado nunca FF, con su (siempre) simpático videoclip casero con Lemmy haciéndoles de chófer, hasta ‘Rope’, con ligero recuerdo a ‘Low’ que está empezando a reventar las radiofórmulas. La apertura a todo trapo con ‘Bridge Burning’. Los temazos AOR, y hits brutales, ‘These Days’ y ‘Dear Rosemary’, cuyo dueto con Bob Mould pone la piel de gallina. Las más poperas e irresistibles ‘Arlandria’ y ‘Back & Forth’. Y la joyita del disco…’Walk’. Todas razones que hablan por si mismas, que demuestran por si solas, aunque no haga falta, que 2011 será el año de Foo Fighters.

Han hecho lo propio. Liberarse de estúpidas presiones, buscar la honestidad y estremecernos con cada nota, con ilusión. Hacer música rodeado de amigos disfrutando de unas cervezas en el garaje de tu casa no debe tener precio. Wasting Light tampoco.

Nota: [90/100]

Alex Rubio

White Limo:

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